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26 enero 2022

América española, América portuguesa. Por: Samir Azrak -enero 24, 2022


 El descubrimiento de América en 1492 marcó un hecho trascendental en la historia mundial, cambiando su curso y desencadenando una de las luchas más voraces entre dos célebres potencias económicas y militares de la época. España y Portugal iniciaron una carrera para hacerse con las riquezas del nuevo territorio aún desconocido para los europeos.


En 1494, apenas dos años después del descubrimiento de América, España y Portugal, haciendo una demostración de sus habilidades en el manejo de asuntos de colonización, firman el Tratado de Tordesillas. Los reyes católicos Isabel y Fernando de España por un lado, y el rey Juan II de Portugal por el otro, llegaron a un compromiso y firmaron en Tordesillas (Reino de Castilla para ese momento) un acuerdo para repartirse las tierras descubiertas o por descubrir en el Nuevo Mundo. El resultado fue la colonización de la América española (toda América Latina excepto Brasil) y la América portuguesa (Brasil).


Para 1945, al fundarse la ONU, la América que había sido colonizada por España estaba formada por 19 Estados distintos y la América portuguesa por un solo Estado, Brasil.


Existen varias razones que explican tal situación, y los historiadores no coinciden plenamente; sin embargo, algunos de los criterios que se  plantean y que pudieran justificar esta condición se presentan a continuación.


El historiador mexicano Alfredo Ávila Rueda, de la Universidad Nacional Autónoma de México, indica que aun cuando Brasil tiene un vasto territorio (es 2 veces el territorio de la Unión Europea), desde el tiempo de la colonia ha formado una unidad, no así la América española que estaba formada por cuatro grandes virreinatos: Nueva España, Perú, Río de la Plata y Nueva Granada, y cada uno de esos virreinatos dependía directamente de la monarquía hispánica, su administración era local y no se vinculaba con los otros virreinatos. Además, fueron creadas varias capitanías, como las de Venezuela, Guatemala, Chile, Quito, etc. que tenían gobiernos con cierta autonomía de sus virreinatos. En cambio, todo el territorio de Brasil estaba bajo la jurisdicción de una administración central. (Luis Barrucho, BBC, 2018).



El historiador brasileño José Murilo de Carvalho indica además que la formación de las élites en los dos imperios coloniales fue distinta y determinante. “En Brasil la élite era más homogénea ideológicamente que la española”, lo cual es debido a que en Brasil no se permitió en la colonia la creación de universidades sino hasta el año 1808. De tal manera que los deseosos de la educación universitaria tenían que viajar a Portugal. En la América española colonial había al menos 23 universidades. Esto hizo que los movimientos independentistas en la América española surgieran a comienzos del siglo XIX sobre todo en los lugares donde había universidades.


Continúa explicando Carvalho que el reparto de poder de las élites en los imperios era bastante distinto. Una vez formados los brasileños en las universidades de Portugal volvían a Brasil para ocupar cargos importantes en la administración de la colonia, lo cual favoreció, según Carvalho, “… un sentimiento de unidad en la colonia, garantizando la obediencia a la corte real y generando confianza en las virtudes  del poder centralizado”. Contrariamente las élites locales nacidas en las colonias españolas, los “criollos”, eran menospreciadas por las nacidas en España, los “peninsulares”, creándose un ánimo de distancia, separación y discriminación que fomentaba el deseo de la autonomía.


Otro significativo dato es indicado por el doctor Ruedas. La circulación de periódicos, folletos y libros que existió en la América española no estaba permitida en la América portuguesa, y sólo se levantó su prohibición en el año 1808, con la llegada de la corte portuguesa a Brasil. Esto, en opinión de Ruedas, tal vez tuvo un papel más relevante en la construcción de las identidades regionales que las propias universidades.



En el ocaso del colonialismo, como antesala de los últimos dominios peninsulares, se presentó un episodio histórico que sirvió de catalizador en los movimientos de independencia. La invasión de la Península Ibérica por parte de Napoleón Bonaparte causó efectos distintos en las Américas española y portuguesa. Mientras que en la primera fue un detonante para las guerras de independencia, en Brasil se mantuvo la unidad y la legitimidad como colonia portuguesa.


El levantamiento del 2 de Mayo del año 1808 en Madrid, en el que salió victorioso Napoleón Bonaparte, obligó al Rey Carlos IV y a su hijo Fernando VII a abdicar en favor del hermano de Napoleón, José Bonaparte. Varias juntas administrativas de las colonias españolas se negaron a obedecer las órdenes de Napoleón y se mostraron fieles a Fernando VII, justificando plenamente los movimientos de independencia. Al retornar el monarca español a su trono, en el año 1814, los movimientos independentistas habían cobrado fuerza y no era posible el retorno al sistema colonial. Entre 1809 y 1826 se libraron en la América española las sangrientas guerras de independencia, lográndose las soberanías de las distintas naciones, y estableciendo cada una su gobierno autónomo. El primer país de Latinoamérica en declarar su  independencia de España fue Colombia, en 1810.

Por otro lado, en este hecho de la invasión de Bonaparte a la Península Ibérica, ocurrió la huida de la familia real portuguesa. El Príncipe Regente João huyó a Rio de Janeiro y trasladó con él toda la corte y el aparato gubernamental: archivos, bibliotecas, tesorería y hasta 15 mil personas. Rio de Janeiro se convirtió entonces en la sede político-administrativa del imperio luso y la presencia del rey en territorio brasileño sirvió como fuente de legitimidad para que la colonia se mantuviera unida. (Luis Barrucho, BBC, 2018). Cuando Napoleón fue derrotado, João VI, estando en Brasil, creó el Reino Unido de Portugal, Brasil y Algarve, y mantuvo la capital en Rio de Janeiro. En 1820 la corte real portuguesa le solicita a João VI el regreso a Lisboa, éste acata la solicitud dejando la administración de Brasil en manos de su hijo Pedro, quien declara la independencia del país en 1822 estableciendo una monarquía constitucional. Así Brasil logró su independencia sin tener que recurrir a la fuerza militar.


 


 


 


 


 



 


 


 



21 enero 2022

Precio del dolar en Venezuela sigue en picada este viernes 21 enero 2022.

Consulta aquí el Precio del Dolar en Venezuela para este viernes 21 enero 2022 según Dolar Oficial del BCV, Dólar Monitor y Dolartoday. Cotización actualizada del Tipo de Cambio en tiempo real desde Venezuela a las 8:00 am, 9:00 am, 1:00 pm y 6:00 pm, según Dolartoday, Dólar Monitor y el Precio del Dolar Oficial según el BCV.

Al cierre de la jornada el dólar oficial del Banco Central de Venzuela BCV marcó nuevamente a la baja este viernes 21 de enero de 2022 en Bs. 4,60700000 ▼.

Además de informarte el precio del Dolar en Venezuela del viernes 21 enero 2022, reportamos la cotización en los Bancos de venezolanos, Dolar paralelo (Mercado negro), Casas de Cambio, así como la cotización de otras divisas: Euro, Yuan, Lira Turca y Rublo. Reporte actualizado en tiempo real.

https://www.ivenezuela.travel/precio-dolar-venezuela-viernes-21-enero-2022-dolartoday-monitor-oficial-bcv-hoy/

Histórico del Precio del Dólar en Venezuela enero 2022 | Día por día.

DÍA MONITOR DOLARTODAY DOLAR BCV

Vie 21 ene Bs. 4,76 ▼ Bs. 4,83 ▲ Bs. 4,6155 ▼

Jue 20 ene Bs. 4,77 ▼ Bs. 4,79 ▼ Bs. 4,6365 ▲

Mie 19 ene Bs. 4,80 ▼ Bs. 4,82 ▼ Bs. 4,6294 ▼

Mar 18 ene Bs. 4,84 ▼ Bs. 4,82 ▼ Bs. 4,6316 ▼

Lun 17 ene Bs. 4,85 ▼ Bs. 4,91 ▲ Bs. 4,6359 ▼

Vie 14 ene Bs. 4,89 ▼ Bs. 4,91 ▲ Bs. 4,6359 ▼

Jue 13 ene Bs. 4,89 ▲ Bs. 4,80 ▼ Bs. 4,6380 ▼

Mie 12 ene Bs. 4,86 ▼ Bs. 4,82 ▼ Bs. 4,6443 ▲

Mar 11 ene Bs. 4,86 ▼ Bs. 4,82 ▼ Bs. 4,6365 ▲

Lun 10 ene Bs. 4.92 ▲ Bs. 4,90 ▼ Bs. 4,6221 ▲

Vie 7 ene Bs. 4.89 ▼ Bs. 4,92 ▼ Bs. 4,6221 ▲

Jue 6 ene Bs. 4.95 ▼ Bs. 4,98 ▲ Bs. 4,6001 ▼

Mie 5 ene Bs. 4,96 ▲ Bs. 4,91 ▲ Bs. 4,6010 ▲

Mar 4 ene Bs. 4,90 ▲ Bs. 4,83 ▲ Bs. 4.5877 ▼

Lun 3 ene Bs. 4,81 ▲ Bs. 4,74 ▲ Bs. 4,5972 ▲

2021

Mie 1 dic Bs. 4.76 ▼ Bs. 4.93 ▼ Bs. 4,6216 ▲

Lun 1 nov Bs. 4,53 ▲ Bs. 4.45 ▼ Bs. 4.3779 ▼

Vie 1 oct Bs. 5.14 ▼ Bs. 5,05 ▲ Bs. 4,1817 ▲

Precio del dolar en Venezuela sigue en picada este viernes 21 enero 2022.






19 enero 2022

Cómo hacer tomates secos caseros.


 Aquí tienes consejos para hacer tomates secos en casa. Hay varios procedimientos para prepararlos, y todos son sencillos aunque llevan su tiempo.

Los tomates secos, una vez hidratados y sumergidos durante unos minutos en aceite con albahaca, ajo, tomillo y otras hierbas aromáticas, son ideales para acompañar carnes asadas, pastas y ensaladas, o para preparar entradas, canapés y emparedados.tomates-secos-detalle


ELABORACIÓN de los tomates secos caseros

Para preparar tomates secos se seleccionan tomates de tamaño y color uniforme. Los más adecuados para esta receta son los tomates de pera, y cuanto más pequeños y dulces, mejor quedarán.

Se lavan y SE SECAN (es importante) con un trapo, se cortan por la mitad a lo largo y se espolvorean con sal fina.

Se colocan AL SOL con las semillas hacia arriba sobre una superficie limpia y plana (o mejor sobre una rejilla que puedes ser la del horno, por ejemplo). El único problemas que puede surgir es el de los insectos (avispas, hormigas…) así que busca una ubicación en la que te sea fácil proteger los tomates con una mosquitera de tela o metal.

Por la noche los tomates se retiran a un lugar seco hasta la mañana siguiente. Es importante que no reciban humedad.

Serán necesarios entre 4 y 7 días en verano, o el tiempo necesario en cualquier estación hasta que los trozos se vuelvan quebradizos.



Una vez secos, se conservan bien en un lugar fresco y sin humedad, y mejor si están aireados, por ejemplo, envueltos en un papel poroso, como el papel de prensa, o un canasto.

Para hidratar los tomates secos cuando vayamos a usarlos se sumergen 15 minutos en agua caliente o una media hora en agua fría. Dependerá también del tamaño de los tomates.

Cómo hacer semi-conserva de tomates secos

INGREDIENTES 

Tomates secos

Mitad de vinagre de vino blanco suave y mitad de agua

Albahaca o menta (podemos añadir también romero, orégano, laurel, tomillo…)

Ajo

Pimentón dulce (opcional)

Una punta de guindilla si quieres darle alegría

Aceite de Oliva Virgen Extra

Sal

En una olla llevamos a ebullición el agua con el vinagre y esperamos a que humee. Sumergimos en el líquido hirviendo los tomates secos durante una par de minutos, los sacamos y los escurrimos.

Se meten en botes o en herméticos con tapa los tomates MUY BIEN ESCURRIDOS junto con ajos pelados enteros, hierbas frescas, una pizca de pimentón y aceite de oliva virgen extra hasta cubrirlos.

Este aceite puede aprovecharse en ensaladas y otros platos ya que queda impregnado con el aroma y sabor de los tomates. Es mejor usar una variedad suave y frutal, como la arbequina o la hojiblanca.

Esta semi-conserva aguanta en la nevera hasta dos semanas, siempre que los tomates sigan sumergidos en el aceite. Si quieres hacer una conserva más duradera pueden ver estos consejos para hacer conservas en casa.


CÓMO HACER TOMATES SECOS AL HORNO

Este método es mucho más rápido, aunque el secado es menos eficaz y los tomates se conservan a punto por menos tiempo.

Se ponen los tomates sobre una fuente de horno de la misma manera que en la explicación anterior. Se llevan al horno a 65 ºC por un mínimo de 6 horas, dándoles la vuelta de vez en cuando. Lo mejor es usar la función de aire caliente. Cuando los tomates hayan perdido la humedad y estén duros y no pegajosos, retiramos.


17 enero 2022

Jamal Abdillah.


 Jamal Abdillah nació el 7 de mayo de 1959. Es popular por ser un cantante pop. Al igual que Abdillah, Mizz Nina también es una cantante pop de Malasia. La edad de Jamal Abdillah es de 62 años. Cantante y actor malasio conocido por cultivar una personalidad rebelde.

Este cantante pop de 62 años nació en Malasia. Ganó el concurso Bintang RTM, patrocinado por la radio y la televisión de Malasia, en 1979. Interpretó el papel de Sunny en la película de 1995 Suratan Kasih.

Niñez

Jamal Abdillah nació en la década de 1950. La década de 1950 a menudo se ve como un "baby boom" y un período de conformidad, cuando jóvenes y ancianos por igual siguieron las normas del grupo en lugar de atacar por su cuenta. Los años 50 también fueron el comienzo de la Carrera Espacial, la Guerra Fría y el Movimiento por los Derechos Civiles. Descubre lo que sucedió en este día.


Jamal Abdillah es parte de la generación Baby boomers. También conocidos como "boomers", son el resultado del final de la Segunda Guerra Mundial, cuando las tasas de natalidad en todo el mundo se dispararon. Se asocian con un rechazo de los valores tradicionales. Estos niños hippies protestaron contra la guerra de Vietnam y participaron en el movimiento de derechos civiles.



Si bien no sabemos la hora de nacimiento de Jamal Abdillah, sí sabemos que su madre dio a luz a la suya un jueves. Las personas nacidas un jueves son naturalmente bien intencionadas y abiertas. La suerte está de su lado.



Familia

El nombre de la madre de Jamal Abdillah es desconocido en este momento y el nombre de su padre está bajo revisión. Continuaremos actualizando la información sobre los padres de Jamal Abdillah.



Vida personal

Al igual que muchas personas famosas y celebridades, Jamal Abdillah mantiene su vida personal en privado. Una vez que haya más detalles disponibles sobre con quién está saliendo, actualizaremos esta sección.

Patrimonio neto

El cantante pop malasio de 62 años lo ha hecho bien hasta ahora. La mayoría del dinero de Jamal proviene de ser un cantante pop. CelebsMoney ha actualizado recientemente el patrimonio neto de Jamal Abdillah.

Horóscopo

Signo zodiacal:Jamal Abdillah es un Tauro. A las personas de este signo zodiacal les gusta cocinar, el romance, trabajar con las manos y no les gustan los cambios repentinos, las complicaciones y la inseguridad. Las fortalezas de este signo son ser confiable, paciente, práctico, devoto, responsable, estable, mientras que las debilidades pueden ser tercas, posesivas e intransigentes. La mayor compatibilidad general con Tauro es Escorpio y Cáncer.


Zodiaco chino:Jamal Abdillah nació en el Año del Tigre. Las personas nacidas bajo este signo son agradables y educadas. Siempre perdonan los errores de otras personas, lo que a veces puede traducirse en ingenuidad y credulidad.


Planeta regente:Jamal Abdillah tiene un planeta regente de Venus y tiene un planeta regente de Venus y por asociaciones astrológicas el viernes está gobernado por Venus. Venus es el planeta del amor, la armonía, el dinero y las posesiones. Venus es elegante, encantadora, sensual y social. Las personas que nacen con Marte como el planeta regente tienen belleza, encanto y sensualidad.









 



 



 



16 enero 2022

Biografia de Gims


 Gims, anteriormente conocido como Maître Gims (nacido el 6 de mayo de 1986), es un rapero de la República Democrática del Congo, ex miembro del grupo hiphop Sexion d'assaut y activo principalmente en Francia. En siete años de carrera en solitario vendió más de 5 millones de álbumes y obtuvo 8 discos de diamantes.


Nacido en Kinshasa, capital de la República Democrática del Congo, De padres cristianos, Gims se convirtió al Islam en 2004. Llegó a Francia cuando tenía dos años, como inmigrante ilegal. Al ser indocumentado, fue entregado a otras familias hasta los 18 años de edad. Viene de una familia de músicos, su padre era parte de la banda de Papa Wemba, mientras que sus dos hermanos son raperos. Maître Gims siempre vivió en París y eligió el nombre artístico de Gims cuando comenzó a rapear en la escuela secundaria, solo más tarde agregando "Maître" a su nombre artístico. Con el colectivo Sexion d''assaut, del que forma parte desde su fundación, ha editado varios discos obteniendo numerosos hits y duetos de fama internacional. Se casó a los 18 años y tiene cinco hijos. En mayo de 2013 lanzó el álbum debut en solitario Subliminal, vendiendo más de un millón de copias; en el mismo período, lanzó su primera línea de ropa Vortex y el sello discográfico independiente MMC (Monstre Marin Corporation). En 2015 lanzó su segundo álbum Mon cœur avait raison, promovido por el single Est-ce que tu m''aimes? , este último certificado platino en Italia; el mismo rapero recibió este reconocimiento en el Festival de San Remo el 9 de febrero de 2016 después de realizar con esa canción. En 2018 lanzó su tercer álbum Ceinture noire. En los años siguientes, implementa el álbum Ceinture Noire con la parte transcendence (2019) y con la parte Décennie (2020). Durante el confinamiento en la primavera de 2020 anuncia en las redes sociales la llegada de un 100% Rap MIXTAPE proyecto, con ganas de volver a sus orígenes estilísticos después de un álbum dedicado a sus habilidades de canto. El 25 de septiembre de 2020 lanzó en Youtube el primer single del álbum Immortel, al final del cual anunció la fecha de lanzamiento oficial del 6 de noviembre de 2020 y también el título del proyecto: Le FLÉAU. Además del nuevo álbum, GIMS lanza su propio documental en Netflix titulado: GIMS: on the record.


La música de Maître Gims proviene del hip hop y la danza, con aspectos de pop y música latina. En su primer álbum, el artista canta sobre sus emociones. El segundo álbum se divide en dos partes: la primera principalmente "pop urbano / R & amp; B" y ampliamente transmitido en canales de radio y música temática, el segundo con sonidos de rap que recuerdan sus inicios. El cantante citó como sus influencias a artistas como Nate Dogg, Tupac Shakur, Eminem, 50 Cent, Tandem, Marvin Gaye y Michael Jackson. También ha colaborado con el rapero estadounidense Pitbull, el cantautor belga Stromae y el cantautor británico Sting. En el año 2019 colaboró con Maluma (cantante) y J Balvin para la creación de algunas canciones del álbum Ceinture noire Trascendance. En 2020, en el álbum Ceinture Noire Décennie, colabora con Dhurata Dora, DJ Assad y Niro, mientras que en el segundo álbum del año Le Fléau, un mixtape de 17 canciones dedicadas a los sonidos del rap, inivita varios raperos franceses ya conocidos como Kaaris, Leto, Heuss L''enfoiré o Bosh.




 


Biografía de Rayvanny. Por: Zadock Thomas - 15 Abr, 2020.

 Raymond Shaban Mwakyusa (Rayvanny) FUENTE DE LA IMAGEN: Instagram

 Raymond Shaban Mwakyusa comúnmente conocido como Rayvanny es un músico, compositor y artista de grabación de bongo flava de Tanzania. Es uno de los artistas actualmente firmados bajo la WCB Wasafi Records que es propiedad del único Diamond Platnumz.


Rayvanny Cumpleaños, Lugar de nacimiento, Tribu

El galardonado compositor tiene 27 años a partir del año 2021. Nació el 23Rd Agosto de 1993 en Nzovye, Mbeya, Tanzania.


Música de Rayvanny

Descubrió su amor por la música en 2011 cuando todavía estaba en la escuela secundaria. Esto sucedió cuando ganó una competencia de rap freestyle. En 2012, se unió a un grupo de música conocido como Tip Top Connection.


No fue hasta 2015 cuando decidió unirse a WCB Wasafi Records, que es uno de los sellos discográficos más grandes de África Oriental. Fue durante este tiempo que grabó su primera canción conocida como 'Kwetu' que terminó siendo una canción de éxito.



 

Rayvanny Chui

Recientemente se renombró a sí mismo a 'Chui', que significa 'leopardo'.


Canciones de Rayvanny

Algunas de las canciones de éxito de Rayvanny incluyen Kwetu, Unaibiwa, Tetema ft Diamond, I love you, Naogopa, GimmiDat ft Mayorkun, Teamo y Chuchumaa. Tiene un álbum EP de 2020 conocido como 'Flowers'.


Premios y nominaciones Rayvanny

En 2016, fue nominado para un premio de música MTV Africa en la categoría de Breakthrough Act 2016. En 2017, fue nominado para una serie de premios de música como el Premio BET a la elección de los espectadores internacionales, AEUSA al Mejor Nuevo Talento y el Premio Uganda Entertainment al Mejor Acto Africano.



Rayvanny Esposa, Novia y Bebé Jaydan Vanny

La novia de Rayvanny es conocida como Fahima,comúnmente conocida como Fahyvanny en las redes sociales. Ella es una dama sorprendentemente hermosa que deja a muchos hombres sedientos de él. Juntos, son bendecidos con un hijo conocido como Jaydan Vanny.


Rayvanny y Fahyvanny siempre se publican en sus cuentas de Instagram, mostrando a los fanáticos cómo están locamente enamorados. Hay reclamos que afirman que caminarán por el pasillo muy pronto.


Rayvanny Nana Te amo

Después de que Rayvanny lanzó su exitosa canción conocida como 'I love you', donde presentaba una zorra de video conocida como 'Nana', el infierno se desató después de que los internautas se acercaron al video, especialmente en una parte donde los espectadores vieron algo que parecía un condón usado.


Esto desencadenó muchas acusaciones de trampa, con Fahima amenazando con dejarlo. Incluso llamó a Nana una destructora de hogares, algo que ella negó. Desde entonces, han resuelto sus diferencias después de que Rayvanny declarara que no había una aventura en curso entre él y Nana.


Religión Rayvanny

Es cristiano por religión. En una entrevista reciente, Fahima declaró que se convirtió al cristianismo desde el Islam porque quería y no porque quisiera forzar su matrimonio con Rayvanny.


Patrimonio neto de Rayvanny

Actualmente tiene un patrimonio neto de más de $ 1.2 millones. Obtiene gran parte de sus ingresos a través de actuaciones en hows, acuerdos de marca y ventas de sus álbumes.


The Beatles

Grupo británico de música rock y pop, el más admirado y popular de la década de 1960 y uno de los más influyentes en la historia de la música moderna. Si el gran Elvis Presley dominó los años 50 como rey del rock and roll, correspondió a The Beatles, un grupo también rockero en sus raíces, ejercer la hegemonía en la década siguiente con una acertadísima y sofisticada amalgama de estilos que llevaría la música pop a todos los públicos y preludió géneros posteriores.



The Beatles


En tanto que referencia de la juventud de los 60, de cuya rebeldía fueron manifestaciones fenómenos como el movimiento hippie o mayo del 68, y también en tanto que producto de consumo en una década de modas y prosperidad, hubiera podido esperarse que el fervor suscitado por aquel riquísimo vendaval musical se desvaneciese lentamente tras la disolución del grupo. Sin embargo, medio siglo después, las mejores canciones de The Beatles siguen sin parecer «antiguas»: conservan intacta su frescura y parecen haber ingresado en una especie de patrimonio atemporal, como si su música ya no perteneciese a una época, sino a todas las generaciones.


Formación


A partir de 1962, año en que quedó configurado de forma estable, y hasta su separación oficial en 1970, los integrantes de The Beatles fueron John Lennon (Liverpool, 1940-Nueva York, 1980), Paul McCartney (Liverpool, 1942), George Harrison (Liverpool, 1943-Los Ángeles, 2001) y Ringo Starr (Liverpool, 1940). No obstante, es difícil dar una fecha exacta de cuándo se formaron The Beatles. En la segunda mitad de la década de 1950, John Lennon y su amigo Peter Shotton (que lo abandonaría poco después) formaron un grupo de música al que llamaron The Quarrymen, al cual en 1957 se añadió Paul McCartney, seguido poco más tarde por George Harrison.


The Quarrymen empezó a tocar en diversos locales de Liverpool, momento en el que se les unió el bajista Stuart Sutcliffe. Ya por entonces resultaba evidente la necesidad de incorporar a un batería. El nombre del grupo iría sufriendo nuevas variaciones, desde Johnny and the Moondogs hasta The Silver Beatles y The Beatles (1960), que a la postre resultaría el definitivo; tal denominación surgió de la moda de poner nombres de animales a los grupos musicales (beetle significa «escarabajo») y del juego de palabras con el estilo que entonces practicaban (la música beat, «golpe»).


Finalmente incorporaron a un batería, Peter Best, y consiguieron un contrato para tocar en Hamburgo, en un local de dudosa fama llamado Kaiserkeller. Su primera aventura alemana terminó prematuramente con la expulsión de George Harrison del país debido a su minoría de edad; la misma suerte corrieron luego Paul McCartney y Peter Best, aunque no por minoría de edad, sino por gamberrismo.



Los Beatles (George Harrison, Paul McCartney, Peter Best y John Lennon) en su primitiva imagen rockera (The Cavern, Liverpool, febrero de 1961)


En 1961 volverían otra vez a Alemania, para regresar de nuevo al Reino Unido sin pena ni gloria. Peter Best dejó el grupo por profundas desavenencias con el resto de sus miembros y fue sustituido por Ringo Starr (nombre artístico de Richard Starkey). Poco después, Stuart Sutcliffe moría en Alemania, víctima de un derrame cerebral; con ello quedó cerrada definitivamente la lista de integrantes de The Beatles: John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr.


La composición de los temas correría casi siempre a cargo del tándem formado por John Lennon (guitarra rítmica) y Paul McCartney (bajo). En general se deben a Lennon, a quien debe considerarse el líder y el alma creativa del grupo, las canciones más innovadoras y la exigencia artística e intelectual; el brillante talento musical de McCartney se dejaba llevar fácilmente por lo comercial, pero igualmente las canciones acababan siendo el resultado del contrapeso entre ambos. En una fase más avanzada, el siempre inquieto George Harrison (guitarra solista) contribuyó al repertorio del grupo con valiosas aportaciones; muy pocas, en cambio, son debidas al desenfadado batería Ringo Starr.


La «beatlemanía»


Pese a la nula repercusión, la experiencia en Alemania había dado consistencia al grupo, aunque a principios de los 60 no parecía más que otra de las numerosas bandas que, desde el triunfo del rock and roll estadounidense a mediados de los 50, cultivaban con pasión este género en el Reino Unido, interpretando o versionando temas de Elvis Presley, Chuck Berry y otros grandes rockeros americanos. The Beatles, sin embargo, habían comenzado a componer e interpretar sus propias canciones, y gozaban ya de cierta fama; tocaban en pequeños clubes de Liverpool, como The Cavern (La Caverna), y eran conocidos en el área de Liverpool, pero todavía ningún sello discográfico había llamado a sus puertas.



The Beatles en concierto


A finales de 1961, tras escucharles en una actuación, Brian Epstein quedó entusiasmado y se convirtió en su representante artístico; el papel de este propietario de una tienda de discos sin ninguna experiencia como mánager resultó tan decisivo que sería llamado «el quinto beatle». Epstein modeló un nuevo look para el grupo (que pasó de lucir tejanos y cueros rockeros a elegantes chaquetas y peinado de casco) y les presentó al productor George Martin, que los contrató para grabar un sencillo. Este primer trabajo discográfico se tituló Love me do (1962) y logró situarse en las listas de éxitos del Reino Unido. Ya en 1963, Please, please me y poco después From me to you y She loves you accederían de nuevo a puestos de honor en las listas británicas. Ese año puede ser considerado el del nacimiento de la «beatlemanía», un fenómeno de idolatría hacia el grupo cuya máxima expresión eran los accesos de histeria que el público femenino sufría en los conciertos de la formación.


La «beatlemanía» se extendió en 1964 a Estados Unidos, donde temas como Love me do, She loves you o I want to hold your hand, arropados por su primera gira en este país, alcanzaron el primer puesto en las listas de éxitos. El libro Guinness de los récords recoge un dato bien revelador: en un mismo mes, dos álbumes y cinco singles de The Beatles lideraron las respectivas listas estadounidenses. En lugar de, como era tradicional, irradiar su influencia musical por todo el mundo, los Estados Unidos sufrieron la llamada «Invasión británica», con el grupo de Liverpool como cabeza de puente de una serie de bandas (The Animals, The Who o los Rolling Stones) que también desembarcarían en el nuevo continente, destronando la supremacía del rock and roll americano.



Simultáneamente, y aprovechando su popularidad, The Beatles rodaron diversas películas, entre las que cabe destacar ¡Qué noche la de aquel día! (A Hard Day's Night, 1964), un vehículo promocional que relataba tres días en la vida de los Beatles y reflejó los fenómenos de arrebatado paroxismo que el grupo desencadenaba allá por donde pasase. El director, Richard Lester, dio al filme un tono de humor surrealista, destrozando con el montaje las nociones de espacio y tiempo, como se pone de manifiesto en la escena en que los Beatles están a la vez dentro del tren y corriendo para tomarlo. El mismo cineasta los dirigiría en Help! (1965). El lanzamiento de los álbumes homónimos acompañó ambos estrenos; también por entonces se editaron los elepés Beatles For Sale (1964) y Rubber Soul (1965).


De hecho, hasta 1965, el grupo siguió encadenando discos a una media de dos o más por año, la mayoría de cuyas canciones fueron escritas por ellos mismos, lo que da idea de su extraordinaria fecundidad. Durante estos primeros años, The Beatles realizaron giras por todo el mundo, pero sus conciertos fueron espaciándose progresivamente, en parte por la creciente irritación del grupo ante aquella exacerbada idolatría, más orientada a sus personas que a su música. Tras ciertos incidentes a su paso por Filipinas y el sur de Estados Unidos y la polémica desatada por una frase de Lennon («somos más populares que Jesús»), dieron su último concierto en San Francisco, en agosto de 1966. Con su retiro, la «beatlemanía» se fue apagando sólo en su sentido de frenesí colectivo; siguieron siendo el grupo de referencia de su tiempo y teniendo entusiastas seguidores.


Madurez y disolución


A partir de entonces se limitarían a hacer grabaciones en estudio. Empezaba así una nueva etapa en su carrera, con una nueva imagen y un nuevo estilo, más serio y profundo. Experimentando con avanzadas técnicas para crear innovadores efectos musicales, los registros de su música se ampliaron y dieron entrada al blues, al country, a parodias de los años veinte, a influencias orientales y a la crítica social, elementos que quedaron armónicamente integrados en un sonido propio e inconfundible.



Los Beatles en el estudio de Abbey Road


El primer álbum de esta segunda etapa, Revolver (1966), contenía ya un puñado de excelentes canciones musicalmente novedosas y alejadas en su letras de los estereotipos amorosos al uso (Taxman, Eleanor Rigby, Tomorrow never knows). Al año siguiente se intensificó su contacto con las drogas psicodélicas (especialmente el LSD), con el movimiento hippie y con el misticismo oriental, encarnado en la figura del Maharishi Mahesh Yogi, a quien acompañaron a la India.


Todo ello confluyó en la salida al mercado de su obra más revolucionaria, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967), un elepé que marcaría el nacimiento de la música psicodélica y supuso un rotundo éxito mundial para el grupo británico, que alcanzó el número uno simultáneamente en las listas británicas y estadounidenses. Ejemplo eminente, especialmente en su cara A, de lo que se ha dado en llamar «álbum conceptual» (es decir, concebido como una obra unitaria que supera la mera yuxtaposición de canciones), el disco es una celebración de la música, la solidaridad, la libertad y la fantasía expresada en una sofisticada y armónica mixtura de estilos; en la cumbre de su capacidad creadora y funcionando como un solo hombre, el grupo supo escoger, entre las múltiples tradiciones musicales, la más adecuada para acompañar cada letra, hasta obtener el brillantísimo resultado final.


Pero 1967 fue también el año del fallecimiento de quien los había llevado al estrellato, Brian Epstein, seguramente el único capaz de mantener unidas personalidades tan dispares. John Lennon siempre afirmaría que la muerte de Epstein significó el fin de los Beatles. La separación oficial tardaría en producirse, y fue precedida por indicios clamorosos, como la publicación de discos en solitario de John Lennon (tres álbumes producidos con Yoko Ono, su esposa desde 1968) y de George Harrison. Probablemente no tuvo lugar antes por el interés de sus componentes de editar los trabajos conjuntos pendientes antes de iniciar una trayectoria personal.



John Lennon, Paul McCartney, Ringo Starr y George Harrison (Londres, 1968)


Así vieron la luz las composiciones de Magical Mystery Tour (1967), un fallido filme para la televisión; el doble elepé The White Album (1968); la banda sonora de su deliciosa película de animación Yellow Submarine (1969), y Abbey Road (1969). Tras la publicación de Let it be (1970), que pese a su calidad musical suponía, para Lennon y para muchos, el fin de inconformismo y el retorno al redil en temas como el que da título al álbum, las desavenencias en el seno de la formación acabaron con la disolución de la misma y cada miembro continuó, con diversa fortuna, su carrera musical en solitario, sin que fructificase ninguno de los intentos de volver a reunirlos. La muerte de John Lennon en 1980 a manos de un perturbado tuvo un gran impacto en todo el mundo, y terminó con cualquier sueño de sus fans en este sentido.


La influencia de la obra de The Beatles a lo largo de las décadas subsiguientes ha sido inmensa. Por citar sólo unos ejemplos, de la psicodelia del Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band arranca toda una corriente que llega a grupos como Pink Floyd o Emerson, Lake & Palmer y dio origen al denominado rock sinfónico; su influjo todavía se dejaría sentir poderosamente en el brit pop, uno de los fenómenos musicales más significativos de los años noventa. Al margen de su indudable importancia artística, The Beatles quedaron para siempre como el símbolo de un estilo de vida que entroncó perfectamente con las profundas inquietudes juveniles de la década de 1960.



 


 



 

Aya Nakamura.


 Aya Nakamura (nacida el 10 de mayo de 1995) es una cantante francesa de origen maliense.


Nacida en la capital maliense en una familia de griot (cuentacuentos), Aya Nakamura es la primera de cinco hermanos. Su familia se estableció en el suburbio parisino de Aulnay - sous-Bois, donde creció. Su nombre artístico se basa en el del personaje de la serie de Heroes Hiro Nakamura. La cantante comenzó a publicar su música en línea en el 2014, comenzando con una canción llamada Karma que apareció en su perfil de Facebook. Notada por The Talent Scouts of Warner Music France, Aya Nakamura firmó un contrato de grabación con el sello, bajo el cual lanzó en 2017 su álbum debut, Journal intime, que alcanzó el sexto lugar en la lista francesa y fue certificado de oro por vender más de 50000 copias en todo el país. El álbum contiene el sencillo Comportement, certificado platino por 200000 copias vendidas. El 6 de abril de 2018 Aya Nakamura ha publicado la canción, Uncle, gracias a la cual ha ampliado su éxito más allá de todas las fronteras: permaneció durante dos semanas consecutivas en el número uno en Francia, alcanzando la primera posición también en los Países Bajos y logrando el éxito en Bélgica, Suecia y Suiza. Djadja fue seguido por el single Copines, lanzado el 24 de agosto de 2018, que le dio a la cantante su segundo número uno en su tierra natal. Ambos sencillos anticiparon su segundo álbum de estudio, Nakamura : Fue lanzado el siguiente 2 de noviembre y alcanzó su punto máximo en el número 3 en la lista francesa, mientras que volver a entrar en el top ten en Valonia y los Países Bajos. Más tarde fue certificado doble platino por SNEP por vender más de 200.000 copias. En enero de 2019 la cantante ganó el European Music Moves Talent Award al Mejor Artista urbano, mientras que al mes siguiente recibió dos nominaciones en los Victoires de la musique, una al Mejor álbum urbano para Nakamura y otra a la Canción del año para Djadja. El 10 de abril de 2019, se lanzó el tercer extracto del álbum, Pookie, acompañado de su video musical. La canción obtendrá dos remezclas: una con el rapero estadounidense Lil Pump, para promocionarla, la mayoría en países de habla inglesa, y otra con el rapero del italiano Head of the Plaza; este último logra alcanzar el segundo lugar del Top Individual y más tarde será certificado doble platino por la FIMI a los 100.000 copias vendidas. El 25 de octubre de 2019, el re-lanzamiento de Nakamura fue lanzado, con la adición de cinco nuevas canciones, incluyendo 40%, que volvió a entrar en el top cinco en Francia. En diciembre Aya Nakamura fue la artista francesa más interpretada en Spotify y YouTube. El 3 de enero de 2020, se anunció la participación de Nakamura en el festival de Coachella, y luego se canceló debido a la pandemia de COVID - 19. En junio se lanzó un remix de Djadja con la participación de la cantante colombiana Maluma, mientras que el 17 de julio regresó a la escena con el single Jolie nana, que debutó en lo más alto de la lista francesa.




12 enero 2022

Banda sonora de «Encanto» entra como número 1 de la lista Billboard.


 Las buenas noticias no paran de llegar para “Encanto”, la última cinta animada de Disney, tras recibir en la madrugada del domingo el Globo de Oro a Mejor película de animación.


Este martes se ha conocido que la banda sonora ha entrado en el número 1 de la lista Billboard, por delante de Adele.


Compuesta por Lin-Manuel Miranda y Germaine Franco, las canciones han estado subiendo lentamente en las listas desde que se estrenó la película.

Pero no ha sido hasta que el film ha llegado esta Navidad a la plataforma Disney+ cuando su éxito ha explotado. De esta manera, se convierte en la primera banda sonora, después de dos años; en alcanzar el número 1 de Billboard tras “Frozen 2” en 2019.


El Billboard Hot 100 clasifica los álbumes más populares en función del consumo de múltiples métricas. Entre ellas copias vendidas tanto física como digitalmente; así como las escuchas en servicios de suscripción o soporte publicitario.


Ambos músicos han compuesto los ocho temas de la película. Todos en español, pero también con su versión en inglés, con ritmos tradicionales y populares de la cultura colombiana como; la salsa, el vallenato y la cumbia.


Las canciones originales son: “La familia Madrigal”, “Un regalo mágico”, “En lo profundo/peso”, “No se habla de Bruno”, “Inspiración”, “Dos Oruguitas” (Sebastián Yatra), “Solo tú, Colombia” y “Mi Encanto” (Carlos Vives).


En cuanto al éxito individual, la canción “No se habla de Bruno” también se ha colado en el quito lugar del Billboard Hot 100, subiendo del tirón 45 puestos, además de ser el sencillo más reproducido en Spotify y el que más furor causa en Tik Tok.


Sin embargo, a pesar de ser la más querida por el público no podrá ser nominada al Óscar en la categoría de Mejor canción original, ya que Disney presentó en su lugar a la preselección “Dos Oruguitas”, una balada acústica en español interpretada por Sebastián Yatra.


De esta manera, según la página oficial de Billboard, la banda sonora de la familia mágica de los Madrigal, pasa a ser la sexta película de animación que se coloca en el número uno de esta lista; “El Rey León” (1994), “Pocahontas” (1995), “Jorge, El Curioso” (2006), “Frozen” (2013), “Frozen 2” (2019) y “Encanto” (2022).

12 ENERO, 2022..  Marian Andrade. 2001.











Louis Vuitton eligió famosa canción venezolana para campaña de su nueva colección.


 La casa de modas Louis Vuitton eligió la canción venezolana «Por Alguien Como Tú», escrita por Carlos Moreán y Claudio Gámez con arreglos del maestro Aldemaro Romero, para la campaña de su nueva colección.


El tema es interpretado por Elaiza Romero en francés, quien es hija del maestro.


La campaña que será desplegada en todo el mundo por Louis Vuitton, la protagoniza la famosa modelo italiana Chiara Ferragni.


Por otra parte, el famoso tema que eligió Louis Vuitton, fue grabado por primera vez en la década de 1970 por Los Darts. 


Asimismo, dos años más tarde, fue versionada al italiano por Elaiza Romero en su álbum Mi Chiamo Elaiza. El cual, tuvo unos arreglos por su padre Aldemaro Romero.


En este sentido, es un orgullo volver a escuchar Por alguien como tú de la mano de la famosa casa Louis Vuitton.


12 ENERO, 2022.

 

Eili Aranza Devia Viloria.  2001

11 enero 2022

Rafael Orozco Maestre.


 Inicios

Nació en Becerril, entonces departamento del Magdalena, el 24 de marzo de 1954, en el hogar de "Rafita" Orozco y Cristina Maestre, compuesto por trece hermanos, cinco hombres y ocho mujeres. Montado en el burro "El Ñato", de niño vendía agua que recogía en el río Maracas. Inicialmente quiso ser acordeonista como su padre. También cantaba rancheras que aprendía en películas mexicanas exhibidas en el teatro del viejo Juan, y baladas de Yaco Monti, en esa época su cantante preferido.1​2​


Adelantó estudios secundarios en el Colegio Nacional Loperena de Valledupar y en una Semana Cultural resultó vencedor en un concurso de canto ante Juvenal Daza, Octavio Daza, Adalberto Ariño y Diomedes Díaz, quien en el evento interpretó "Cariñito de mi vida", tema que Rafael Orozco hizo famoso y que fue su primer éxito, grabado con Emilio Oviedo en 1975.1​2​


Bajo el entusiasmo del éxito alcanzado, Rafael Orozco fue cantante de Luciano Poveda y su conjunto, pero solo para animar fiestas privadas. Después estuvo con Julio de la Ossa igualmente sin grabar. Orozco grabó por primera vez con el acordeonista Emilio Oviedo en 1975. Con ellos, Orozco consolidó su propio estilo diferente del vallenato clásico representado por "Los playoneros del Cesar", "Bovea y sus vallenatos", Alfredo Gutiérrez, Jorge Oñate, Los Hermanos Zuleta, entre otros.1​


El Binomio de Oro

Rafael Orozco e Israel Romero se conocieron por primera vez en un colegio de Manaure, Cesar, donde Orozco cantó en una fiesta. Después afianzaron su amistad en un cumpleaños de Poncho Zuleta.3​


En Barranquilla, Rafael coincidió con Israel en el cumpleaños de Mario Ceballos Araújo, rector de la Universidad Autónoma del Caribe, y tocaron por primera vez juntos. Dos meses más tarde se cristalizó el nacimiento de la agrupación musical El Binomio de Oro en el cumpleaños de Lenín Bueno Suárez también en Barranquilla, en 1976.1​2​


Con el Binomio de Oro se hizo merecedor de tres Congos de Oro en el Festival de Orquestas del Carnaval de Barranquilla, 16 discos de oro y dos de platino por ventas millonarias, distinciones y galardones en Venezuela (donde el grupo era invitado recurrente al programa de Venevisión Súper Sábado Sensacional), Panamá y Estados Unidos.1​2​ Orozco incursionó en la composición al final de su vida; fue autor del tema "Solo para ti".1​4​


Vida personal

Rafael Orozco se casó con Clara Elena Cabello Sarmiento (Urumita, Guajira) en la iglesia de Santa Bernardita de Barranquilla, el 5 de marzo de 1976. Tuvieron tres hijas, Kelly Johanna, Wendy Giolanny y Loraine.5​6​


Orozco era aficionado al fútbol, hincha del Junior (en cuyo honor publicó una canción, en colaboración de Juan Piña, llamada "El Cumbión del Junior") y de la Selección Colombia. Estudió varios semestres de Administración de Empresas en la Universidad Autónoma del Caribe antes de dedicarse a la música.2​1​


Asesinato

Rafael Orozco había llegado a Barranquilla el 9 de junio de 1992 tras una ausencia de cuarenta y cinco días en razón de sus compromisos artísticos en Venezuela y el interior de Colombia.7​ En la noche del 11 de junio de 1992, las hijas de Orozco dieron una fiesta en su residencia para celebrar el fin del semestre escolar. Pasadas las 9:00 p.m., Alfonso Ariza De la Hoz y Francisco Javier Corena, ayudantes de la agrupación musical de Diomedes Díaz, llegaron a la casa de Orozco solicitando al cantante con la intención de pedir prestados unos instrumentos musicales y dinero. Orozco los atendió afuera de la casa con el fin de no interrumpir la fiesta. Se encontraban dialogando cuando a las 9:45 p.m. un pistolero le disparó a Orozco en diez ocasiones, haciendo blanco en su humanidad en nueve oportunidades (en la región occipital, en el rostro, en la espalda y en la región glútea), ocasionándole la muerte en el acto. Orozco fue llevado a la Clínica del Caribe por su esposa, pero llegó sin vida y fue declarado muerto a las 10:00 p.m.1​4​8​


Entre los móviles del asesinato se barajaron la relación extramatrimonial que Orozco sostenía con María Angélica Navarro Ogliastri9​10​ (quien había sido esposa del después congresista Armando Benedetti) y quien para entonces también mantenía una relación sentimental con el ganadero y narcotraficante José Reinaldo "El Nano" Fiallo Jácome,11​ y un ajuste de cuentas por la supuesta implicación de Orozco en el narcotráfico.12​13​ Por el crimen fueron aprehendidos como autor material el ingeniero Jorge Navarro Insignares (padre de María Angélica); su hijo Jorge Enrique;14​15​16​ Alfonso Ariza De la Hoz y Francisco Javier Corena (como cómplices); Orby Campo Valdeblánquez, Diomedes Zubiría Redondo y Porfirio Zubiría Redondo (como autores materiales según la versión de Javier Enrique Arias Martínez, quien posteriormente dijo llamarse José Luis Ospino Ariza); y Ever Antonio Zubiría Redondo, pero todos quedaron libres al determinarse que no tuvieron nada que ver con el asesinato.2​17​


A principios de julio de 1992, una acción de tutela interpuesta por la familia de Rafael Orozco contra los periódicos El Heraldo, La Libertad y El Espacio fue fallada a favor de los demandantes para que se abstuvieran de publicar aspectos y fotos de la vida íntima del cantante, de su viuda y de sus hijas.18​


El 19 de agosto de 1998, el Juzgado Cuarto Penal del Circuito de Barranquilla dictaminó que Orozco fue asesinado por Sergio González Torres, escolta de "El Nano" Fiallo,8​19​20​ y que el crimen obedeció a móviles pasionales, por el mencionado triángulo amoroso entre Orozco, Navarro y Fiallo.7​21​22​23​ Entre las pruebas de la Fiscalía se encontraban las pruebas de balística que establecieron que Orozco había sido acribillado con la pistola Heckler & Koch modelo P7 K3, calibre 7,65 que fue hallada en poder de Fiallo el día de su asesinato, y una carta dirigida desde la cárcel por Mario Alzate Urquijo al entonces fiscal general de la Nación, Gustavo de Greiff, en la que revelaba que "el Nano" Fiallo expresó en su presencia y la de otros narcotraficantes que tenía el respaldo de su patrón, alias "Camilo", para eliminar a Rafael Orozco, porque este estaba sosteniendo una relación con su novia.7​


Sin embargo, una serie de muertes y desapariciones se dieron posteriores al asesinato de Rafael Orozco: Víctor Herrera Ortega, celador de una construcción vecina a la residencia de Rafael Orozco, que presenció el crimen, desapareció después de declarar al día siguiente de los acontecimientos, Alfonso Ariza De la Hoz y Francisco Javier Corena fueron sacados de sus casas y desaparecieron después de su última indagatoria el 4 de agosto de 1992, José Reinaldo "El Nano" Fiallo y su escolta Sergio González fueron asesinados en Medellín el 18 de noviembre de 1992,23​ y Orby Campo Valdeblánquez fue asesinado en Barranquilla el 4 de abril de 1993. Además, el fiscal que inició el proceso, Jorge Paternostro, falleció ahogado en las aguas de un arroyo turbulento en Barranquilla el 16 de julio de 1993.24​ El periodista Fabio Poveda Márquez (amigo muy cercano de Orozco) y el acordeonista de Diomedes Díaz al momento de los hechos, Juancho Rois, quienes también declararon en el proceso, murieron poco después.8​


Funeral y entierro

Los restos de Rafael Orozco fueron velados en la funeraria Jardines del Recuerdo de Barranquilla, pero a causa de que la multitud crecía sin control, el féretro fue trasladado sucesivamente a recintos cada vez más grandes: la iglesia del Carmen, la Catedral y por último el coliseo cubierto Humberto Perea, donde se realizó una misa campal. De allí, su cadáver fue trasladado en multitudinario recorrido de unos 8 km al cementerio Jardines del Recuerdo, donde fue sepultado al final de la tarde del 12 de junio de 1992 en medio de una multitud llegada de diferentes partes de Colombia y Venezuela,25​ donde incluso hubo transmisión en vivo de los actos fúnebres por Venevisión.9​


Muchas personalidades se hicieron presentes en el velorio y en el entierro, entre ellas varios colegas cantantes y acordeonistas como Jorge Oñate, Miguel Morales, Raúl "Chiche" Martínez, Marcos Díaz, Carlos Malo, Jesualdo Bolaños, Emilio Oviedo, Alberto Villa y Rafael Escalona, entre otros, quienes al momento de ser enterrado el ataúd entonaron varias de las canciones más famosas del Binomio de Oro, como La creciente, Eterno enamorado, Momentos de amor y Dime, pajarito. Al mismo tiempo, en la plaza Alfonso López de Valledupar se llevó a cabo una multitudinaria concentración en la que miles de personas sacaron pañuelos blancos y clamaron justicia.9​


01 enero 2022

El papa en su primera misa de 2022: Herir a las mujeres es ultrajar a Dios. EFE 01-01-2022


 El papa Francisco criticó este sábado la violencia machista, dijo que herir a las mujeres es ultrajar a Dios y pidió más promoción y protección de las mujeres en las sociedades actuales, en la primera misa del 2022.


"Cuánta violencia hay contra las mujeres. Basta. Herir a una mujer es ultrajar a Dios, que tomó la humanidad de una mujer", dijo Francisco en la Basílica de San Pedro del Vaticano.


CONTRA LA VIOLENCIA MACHISTA


Este sábado, el papa habló de las mujeres y a las madres, y dijo que tienen una "mirada inclusiva, que supera las tensiones conservando y meditando en el corazón".


"Es la mirada con la que muchas madres abrazan las situaciones de los hijos. Es una mirada concreta, que no se desanima, que no se paraliza ante los problemas, sino que los coloca en un horizonte más amplio", añadió.

Recordó que las madres "asisten al hijo enfermo o en dificultad" y subrayó el amor que hay en sus ojos, "que, mientras lloran, saben comunicar motivos para seguir esperando".


Las madres, prosiguió, "saben mantener unidos los hilos de la vida" y por eso son esenciales en el mundo actual, porque son "capaces de tejer hilos de comunión, que contrarresten los alambres espinados de las divisiones, que son demasiados".


También elogió que "no miran el mundo para explotarlo, sino para que tenga vida" y "logran mantener unidos los sueños y lo concreto, evitando las desviaciones del pragmatismo aséptico y de la abstracción".

En su homilía, el papa citó la necesidad de que las personas se enfrenten a los problemas con paciencia, conservando la fe y meditando.


Algunas veces, admitió, "tenemos la esperanza de que todo va a salir bien, pero de repente cae, como un rayo de la nada, un problema inesperado. Y se crea un conflicto doloroso entre las expectativas y la realidad. Pasa también con la fe, cuando la alegría del Evangelio es puesta a prueba por una situación difícil que nos toca atravesar".


Esta dificultad, argumentó, forma parte del camino hacia "la meta, la cruz sin la cual no se resucita".


PAZ EN EL MUNDO


En este primer día del año la Iglesia católica conmemora la Jornada Mundial de la Paz, que esta edición está dedicada al "diálogo entre generaciones, a la educación y al trabajo".


Tras la misa, el papa se asomó a la ventana del palacio apostólico del Vaticano para rezar el Ángelus con los fieles de la plaza y pedir la paz en el mundo: "Se necesita la paz. He estado viendo imágenes en un programa de televisión, de guerra, de miseria. Esto ocurre hoy en el mundo. Queremos paz".


Momentos antes del rezo, destacó que la paz se construye con atención a los demás, justicia y perdón.

También reconoció que el mundo vive "aún tiempos inciertos y difíciles a causa de la pandemia" y que "son muchos los que están atemorizados por el futuro y agobiados por las situaciones sociales, los problemas personales, los peligros que provienen de la crisis ecológica, de las injusticias y de los desequilibrios económicos planetarios".


Finalmente, quiso acordarse de "las jóvenes madres y en sus hijos que huyen de las guerras y de las carestías o que esperan en los campos de refugiados".


MÚSICA CIENCIA TECNOLOGÍA Y TURISMO

EURO EXITOS : VIERNES Y SABADOS. A LAS 10 Y A LAS 16 HORAS: POR RADIO LA CHISPA FM

 

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